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1. Das Violinsolo: Die Uraufführung der Violinsonate des jungen Komponisten Kaan Bulak steht im Zentrum des Violinsolo-Konzertes und wird umrahmt von J.S.Bachs Partita Nr. 2 in d-Moll, Nathan Milsteins Doluri und der Paganiniana des georgischen Komponisten Alexi Machavari.

2. Das Pianosolo-Konzert bietet mit allen neun Études-tableaux Op.39 von Rachmaninow eine selten aufgeführte Sammlung expressiver Bandbreite und höchster Virtuosität, gepaart mit der strahlend-klangvollen großen D-Dur Sonate von Schubert.

3. Das Cellosolo: Die Aufführung von Bachs sechs Cello-Suiten an einem Abend – eine monumentale Darbietung, die sowohl den Interpreten als auch das Publikum auf eine musikalische Reise in die Tiefe führt.

Am 08. und 09.März 2025 finden drei Solo-Konzerte im Kühlhaus Berlin statt, gespielt von den herausragenden Solist*innen Veriko Tchumburidze, Andrei Ioniță und Catalin Serban. Jedes Konzert setzt einen einzigartigen Schwerpunkt, wobei Bach als Ausgangspunkt des ersten und als apotheotische Darbietung der sechs Cellosuiten im dritten Konzert den Rahmen für das Festival bildet. Dazwischen entfaltet sich die Musik des 20. und 21. Jahrhunderts, während eine Schubert-Sonate als Katalysator zwischen diesen zwei Extremen fungiert.

1. Das Violinsolo: Die Uraufführung der Violinsonate des jungen Komponisten Kaan Bulak steht im Zentrum des Violinsolo-Konzertes und wird umrahmt von J.S.Bachs Partita Nr. 2 in d-Moll, Nathan Milsteins Doluri und der Paganiniana des georgischen Komponisten Alexi Machavari.

2. Das Pianosolo-Konzert bietet mit allen neun Études-tableaux Op. 39 von Rachmaninow eine selten aufgeführte Sammlung expressiver Bandbreite und höchster Virtuosität, gepaart mit der strahlend-klangvollen großen D-Dur Sonate von Schubert.

3. Das Cellosolo: Die Aufführung von Bachs sechs Cello-Suiten an einem Abend – eine monumentale Darbietung, die sowohl den Interpreten als auch das Publikum auf eine musikalische Reise in die Tiefe führt.

Am 08. und 09.März 2025 finden drei Solo-Konzerte im Kühlhaus Berlin statt, gespielt von den herausragenden Solist*innen Veriko Tchumburidze, Andrei Ioniță und Catalin Serban. Jedes Konzert setzt einen einzigartigen Schwerpunkt, wobei Bach als Ausgangspunkt des ersten und als apotheotische Darbietung der sechs Cellosuiten im dritten Konzert den Rahmen für das Festival bildet. Dazwischen entfaltet sich die Musik des 20. und 21. Jahrhunderts, während eine Schubert-Sonate als Katalysator zwischen diesen zwei Extremen fungiert.

1. Das Violinsolo: Die Uraufführung der Violinsonate des jungen Komponisten Kaan Bulak steht im Zentrum des Violinsolo-Konzertes und wird umrahmt von J.S.Bachs Partita Nr. 2 in d-Moll, Nathan Milsteins Doluri und der Paganiniana des georgischen Komponisten Alexi Machavari.

2. Das Pianosolo-Konzert bietet mit allen neun Études-tableaux Op.39 von Rachmaninow eine selten aufgeführte Sammlung expressiver Bandbreite und höchster Virtuosität, gepaart mit der strahlend-klangvollen großen D-Dur Sonate von Schubert.

3. Das Cellosolo: Die Aufführung von Bachs sechs Cello-Suiten an einem Abend – eine monumentale Darbietung, die sowohl den Interpreten als auch das Publikum auf eine musikalische Reise in die Tiefe führt.

Am 08. und 09.März 2025 finden drei Solo-Konzerte im Kühlhaus Berlin statt, gespielt von den herausragenden Solist*innen Veriko Tchumburidze, Andrei Ioniță und Catalin Serban. Jedes Konzert setzt einen einzigartigen Schwerpunkt, wobei Bach als Ausgangspunkt des ersten und als apotheotische Darbietung der sechs Cellosuiten im dritten Konzert den Rahmen für das Festival bildet. Dazwischen entfaltet sich die Musik des 20. und 21. Jahrhunderts, während eine Schubert-Sonate als Katalysator zwischen diesen zwei Extremen fungiert.

1. Das Violinsolo: Die Uraufführung der Violinsonate des jungen Komponisten Kaan Bulak steht im Zentrum des Violinsolo-Konzertes und wird umrahmt von J.S.Bachs Partita Nr. 2 in d-Moll, Nathan Milsteins Doluri und der Paganiniana des georgischen Komponisten Alexi Machavari.

2. Das Pianosolo-Konzert bietet mit allen neun Études-tableaux Op.39 von Rachmaninow eine selten aufgeführte Sammlung expressiver Bandbreite und höchster Virtuosität, gepaart mit der strahlend-klangvollen großen D-Dur Sonate von Schubert.

3. Das Cellosolo: Die Aufführung von Bachs sechs Cello-Suiten an einem Abend – eine monumentale Darbietung, die sowohl den Interpreten als auch das Publikum auf eine musikalische Reise in die Tiefe führt.

Anlässlich des 150. Geburtstags von Maurice Ravel widmet sich die Spielende Insel dem farbenreichen Spannungsfeld der französischen Musik um 1900 – mit besonderem Blick auf den spanischen Einfluss, der Ravels Klangsprache ebenso prägte wie jene seiner Zeitgenossen Debussy, de Falla und Boulanger.

Im Zentrum des Programms steht Ravels Klaviertrio in a-Moll – ein Meisterwerk von rhythmischer Raffinesse und schwebender Melancholie.

Für unsere Hommage à Ravel freuen wir uns besonders Jiyoon Lee, Konzertmeisterin der Staatskapelle Berlin, und die Pianistin Naoko Sonoda dabei zu haben.

Musik bewahrt, was sonst vergeht – sie erzählt, wo Worte verstummen, und überträgt Erfahrungen durch Zeit und Generationen hinweg. Sie ist Ausdruck innerer Bewegtheit, Resonanzraum des Erinnerns, Botschafterin des Menschlichen.

Liberating Echoes widmet sich jener Musik, die unter schwierigen Umständen entstand – in Zeiten der Verdrängung, des Exils, des inneren oder äußeren Schweigens. Werke von Komponisten wie Zemlinsky, Ullmann, Klein, Schönberg oder Korngold bilden das Herzstück des Festivals; sie tragen Spuren von Bedrohung, aber auch von innerer Größe und sind Zeugnisse künstlerischer Selbstbehauptung – vielstimmig, kraftvoll, zutiefst persönlich. Musik wird hier zur Lebenslinie, zur Behauptung der Würde und zum bleibenden Ausdruck schöpferischer Freiheit.

Neben diesen Stimmen treten auch Werke ins Licht, die lange unbeachtet blieben oder im Schatten großer Namen standen. Die Musik von Fanny Hensel, Amy Beach und Alma Mahler-Werfel zeigt eine künstlerische Handschrift, die sich innerhalb gesellschaftlicher Begrenzungen formte – mit Unabhängigkeit, Tiefe und Klangfantasie. Dass ihre Werke erst in jüngerer Zeit breitere Aufmerksamkeit fanden, verweist nicht auf ihre Qualität, sondern auf überholte Sichtweisen, die sich heute weiten. Eine gegenwärtige Perspektive bringt die Komponistin Michaela Catranis ein, deren Musik als poetisch und verstörend zugleich beschrieben wird.

Gemeinsam mit den Werken von Fauré, Brahms, Schumann oder Chausson entfalten sie ein weit verzweigtes Netz klanglicher Bezüge – Dialoge über Zeiten, Herkunft, Ausdruck und Zugehörigkeit. Die Grenzen verwischen: nicht das Geschlecht, sondern die Perspektive wird hörbar.

Getragen wird das Festival von international gefeierten Musiker*innen wie Tobias Feldmann, Veriko Tchumburidze, Pablo Barragán, Karolina Errera, Sindy Mohamed, Andrei Ioniță. Catalin Serban und viele andere, die gemeinsam diese Reise durch klangliche Fragmente, Erinnerungen und poetische Visionen gestalten.

Begleitet werden die Konzerte von Licht- und Rauminstallationen der Künstlerinnen Kristina Weiss und Enikö Márton, die mit subtilen Mitteln das Sichtbare und Unsichtbare der Musik umkreisen: Spuren des Verschwindens, des Überdauerns – und des wieder Greifbar-Gewordenen. Ihre Arbeiten verwandeln die Konzertorte in Resonanzräume, in denen Klang, Licht und Erinnerung miteinander verschmelzen.

In unserer Welt voller Brüche und Umbrüche zeigen uns die Konzerte des Festivals, 80 Jahre nach Kriegsende, dass Kunst nicht nur Vergangenes in unsere Zeit transportiert, sondern ganz aktuell zu neuen Horizonten motiviert, Hoffnung sät und als Resonanzraum des Menschlichen erscheint.

Den Auftakt der Reihe bildet Gideon Kleins Streichtrio, 1944 im Ghetto Theresienstadt komponiert – ein Werk von erschütternder Klarheit. Mährische Volksmotive durchziehen eine moderne Klangsprache, als würde der Komponist mit jedem Ton gegen das Verstummen ansingen. Ein Akt inneren Widerstands, ein Zeugnis ungebrochener schöpferischer Kraft.

Auch Dmitri Schostakowitschs Klaviertrio Nr. 2, im selben Jahr geschrieben, trägt die Spuren tiefster Erschütterung. Entstanden während des Krieges, ist es von persönlichem Verlust ebenso durchdrungen wie vom Grauen des Holocaust. Die letzte Bewegung – ein makabrer Totentanz – wirkt wie ein universelles Requiem.

Ernest Chaussons Klavierquartett A-Dur hingegen bringt eine andere Farbe in diesen Klangraum. In spätromantischer Wärme schwingt ein zarter Abschied mit – als Vorahnung kommender Umbrüche, als Echo einer Welt am Rande des Wandels.

In der Dämmerung zwischen Erinnerung und Vergessen erhebt sich die menschliche Stimme – zart, verletzlich, aufrichtig. Dieses Konzert führt durch intime Klanglandschaften, in denen Liebe, Verlust und das Unaussprechliche nachhallen.

Viktor Ullmanns Lieder, im Schatten von Theresienstadt geschrieben, sind keine Anklagen, sondern poetische Zwiesprachen mit der Welt – durchdrungen von Zartheit, innerer Stärke und philosophischer Tiefe. Die Texte Ricarda Huchs erscheinen darin wie flüchtige Spiegelbilder der Hoffnung.

Alma Mahlers Lieder, oft übersehen, klingen hier mit neuem Gewicht. Ihre Musik ist reich an innerer Spannung – expressiv, vielschichtig, persönlich. Eine weibliche Stimme der Romantik, kraftvoll und empfindsam zugleich.

Mit den Liedern Alexander Zemlinskys und seinem frühen Klarinettentrio tritt ein faszinierender Dialog zutage – nicht nur musikalisch, sondern auch biografisch. Die Beziehung zwischen Zemlinsky und Alma Mahler war von intensiver künstlerischer Nähe geprägt, aber auch von Zurückweisung und Verletzung. Ihre Lieder und seine Kompositionen spiegeln auf unterschiedliche Weise die emotionale wie ästhetische Spannung dieser Verbindung. Zemlinskys Liedkompositionen entfalten eine farbenreiche, oft melancholisch funkelnde Klangsprache; sein Klarinettentrio verbindet spätromantische Fülle mit expressiver Dringlichkeit – als würde die Klarinette selbst zum Medium des Ungesagten, zum Echo einer verlorenen Intimität.

Dieses Konzert widmet sich der Verwandlung – emotional, klanglich, innerlich. Die Musik wird hier zum Raum der Alchemie, zur Suche nach Licht im Schatten.

Maurice Ravels Violinsonate Nr. 2 eröffnet das Programm mit tänzerischer Leichtigkeit. Ihr berühmter „Blues“-Satz ist eine subtile Hommage an afroamerikanische Musik – verspielt, elegant, voller rhythmischer Raffinesse.

Darauf folgt Johannes Brahms’ Klarinettentrio a-Moll – ein Spätwerk voll stiller Innigkeit, getragen von Melancholie und warmer Erinnerung. Hier scheint die Klarinette vergangene Zeiten zu beschwören – mit jeder Phrase ein Rückblick, ein Trost.

Den Abschluss bildet Arnold Schönbergs „Verklärte Nacht“ – ein Monument spätromantischer Ausdruckskraft. Nach einem Gedicht Richard Dehmels erzählt sie von Schuld, Vergebung und seelischer Transformation. Die Musik wird zum Spiegel menschlicher Zerrissenheit – und zum Licht, das diese überwindet. Ein Werk, das wie kein anderes die Themen dieses Festivals verkörpert: die Möglichkeit zur Wandlung, zur Erinnerung, zur Hoffnung.

Im sakralen Raum der Matthäuskirche wird Musik zum rituellen Gedächtnis – mit einem Programm, das Romantik und Moderne nicht als Gegensätze, sondern als miteinander verflochtene Ausdrucksformen versteht.

Erwin Schulhoff und Erich Wolfgang Korngold gehören derselben Generation an, doch ihre Klangsprachen könnten kaum unterschiedlicher sein: Schulhoff sucht in rhythmischer Energie, ironischer Brechung und Anklängen an Jazz und Volksmusik nach einem neuen musikalischen Ausdruck jenseits der Tradition. Sein Duo für Violine und Violoncello ist ein Paradebeispiel dafür – verspielt, virtuos, subversiv. Korngolds Klaviertrio D-Dur, mit nur 13 Jahren geschrieben, ist dagegen tief in der spätromantischen Tradition verwurzelt. Seine Musik ist durchdrungen von lyrischem Überschwang und formaler Klarheit – ein jugendliches, aber ausgereiftes Zeugnis aus dem Wien der Jahrhundertwende, in dem bereits die spätere Meisterschaft des Komponisten aufscheint.

Robert Schumanns Klavierquartett Es-Dur wiederum wirkt wie ein Bindeglied zwischen beiden: als Inbegriff romantischer Ausdruckskraft entfaltet es eine innere Dramaturgie aus Sehnsucht, Zweifel und leidenschaftlicher Aufwallung. In dieser Konstellation wird Schumann zur Quelle, zu der beide jüngeren Komponisten – bei aller Unterschiedlichkeit – in ihren eigenen Visionen zurückkehren. Das Konzert lässt so musikalische Linien sichtbar werden, die Vergangenheit und Zukunft miteinander verweben.